A wax é um tecido de algodão de cores vivas com padrões sofisticados, estampado através de uma técnica de cera. Também conhecida como cera holandesa ou estampa africana, é utilizada na moda e na arte contemporânea há várias décadas. Produzida pela primeira vez em meados do século XIX, a cera tem uma história rica que se estende por vários continentes. Originalmente fabricada para o mercado indonésio, foi rejeitada como produto estético, tornando-se depois um produto africano adotado, uma vez que foi amplamente utilizada para fins práticos, simbólicos, estéticos e culturais, primeiro na África Ocidental e depois no resto do continente.
Associado a uma visão estereotipada de África que não reflecte a diversidade das culturas e tradições locais, é também controverso por ter marginalizado os têxteis tradicionais africanos, como Ankara, Aso Oke, Batiki, Bogolan, Kanga, Kente, Samakaka e Sweshwe, os mais famosos dos quatro cantos do continente.
Mas nos últimos dez anos, aproximadamente, a cera deixou de ser um tecido étnico para se tornar um tecido da moda, profundamente integrado na vasta gama de expressões de vestuário que definem a identidade cultural africana contemporânea, e tornou-se uma alternativa à moda ocidental algo repetitiva. Agora, mais do que nunca, a cera está na moda em todo o mundo. Na rua e nas passerelles de moda, na decoração de interiores e nas galerias de arte contemporânea, a cera estabeleceu-se como uma expressão de multiculturalismo, modernidade globalizada, extravagância e frescura africanas, reflectindo as complexas ligações do continente com o resto do mundo. Os modelos negros que vestem modelos de moda ou trajes cerimoniais tradicionais são colocados sobre um fundo ou cenário de cores contrastantes ou semelhantes às suas roupas.
Há várias décadas que os fotógrafos e artistas africanos e afro-diaspóricos contemporâneos utilizam a cera como modelo pós-colonial. As suas obras contam a história de diferentes períodos históricos e de diferentes identidades que os africanos adoptaram em resultado da escravatura, do colonialismo, do impacto da cultura de mercadorias ocidental, da migração e da globalização. Estas obras de arte reconhecem, criticam, reclamam e afirmam simultaneamente a identidade e a iconografia africanas.
Eis uma seleção de fotógrafos e artistas contemporâneos que nos oferecem respostas criativas a momentos históricos fundamentais e aos imaginários da África de amanhã.
Em fotografia:
- O famoso retratista maliano Seydou Keita (1923-2001) começou o seu trabalho em Bamako em 1948, transformando o seu pátio num estúdio, tirando apenas uma fotografia por sessão, utilizando apenas a luz do dia com a sua câmara. Só descobertas no Ocidente nos anos 90, as suas imagens oferecem-nos um vislumbre da alta sociedade maliana da época, com as mulheres vestidas com os seus melhores trajes a condizer com a decoração em tecido de cera, e falam-nos do empenhamento do Mali na modernização ocidental.
- A fotógrafa queniana Thandiwe Muriu faz auto-retratos com o seu corpo envolto em cenários caleidoscópicos e desorientadores, em cores vivas e surpreendentes, destacando os seus membros, o seu cabelo e os seus olhos escondidos atrás de óculos feitos de materiais reciclados do quotidiano, incluindo peneiras, tampas de garrafas de plástico e carretéis de fio planos, criados em colaboração com artesãos e fabricantes locais, questionando o espetador sobre o que é consumível. Cada obra reinventa as tradições do retrato, repensando o que significa ser uma mulher moderna.
- O fotógrafo senegalês Omar Victor Diop é um dos principais artistas da sua geração. Desde muito cedo, a sua atração pela fotografia, pela literatura e pela história proporcionou o terreno para a expressão da sua imaginação, que materializa numa mistura de formas artísticas que vão da colagem ao design têxtil (com cera em particular), do design de moda à escrita criativa, através das suas séries Wax dolls, Studio of vanities e Hopeful blues. . Um dia, um professor perguntou-me: “Porque não fazes mais arte africana? Eu não sabia o que ele queria dizer, por isso fui ao mercado e perguntei por cera. Estes tecidos são tão multiculturais como eu. E usá-los é como uma piada: vejam o que é típico de África, sabendo de onde vem”, diz.
- O fotógrafo beninense Leonce Raphael Agbodjelou – que criou a primeira escola de fotografia do seu país – imortaliza os habitantes da cidade portuária de Porto-Novo. Através das suas séries Through an African Lens, Untitled e Musclemen, que combinam tradição e influências modernas, cria retratos cuidadosamente compostos em espaços interiores, com trajes tradicionais iorubás em cores vivas contrastando com paredes de tijolo de barro, máscaras cerimoniais vudu e edifícios coloniais de estilo português, realçando o papel histórico da sua cidade natal como porta de entrada para o comércio colonial de escravos com o Brasil.
- A fotógrafa zimbabueana Tamary Kudita traça a história dos seus antepassados de uma região colonizada no século XIX pelos holandeses e depois pelos britânicos, focando a sua lente em figuras negras, criando retratos de corpos iluminados, tornando-os hiper-visíveis hoje, quando antes eram invisíveis. Os seus sujeitos vestem roupas que lembram a era aristocrática europeia, mas numa versão de cera. “Exploro o papel do tecido africano na reformulação das identidades históricas e culturais das pessoas”, explica.
- O fotógrafo marroquino Hassan Hajjaj, resolutamente pop, kitsch e brincalhão, mistura a sua herança marroquina com as cenas culturais da sua Londres adotiva. Posa os seus modelos contra um fundo de cera com uma irreverência irresistível e um bom humor contagiante. Também se diverte a contrariar as expectativas do olhar ocidental sobre as populações norte-africanas, seguindo o exemplo dos seus Kesh Angels, um grupo de mulheres motociclistas com véu que posam com orgulho nas ruas de Marraquexe.
- A série Mama Benz da fotógrafa francesa Floriane De Lassée conta a história das mulheres de negócios africanas que dominaram a economia local graças ao comércio de cera. Tornando-se as primeiras mulheres bilionárias de África, conseguiram importar os primeiros automóveis Mercedes Benz para o continente, daí a sua alcunha. Misturando digitalmente retratos destas mulheres talentosas com uma grande variedade de tecidos de cera, os seus temas aparecem como palimpsestos, simbolizando orgulhosamente a beleza de África.
Nas artes visuais:
- O artista nigeriano-britânico Yinka Shinobare é, ele próprio, um exemplo da complexidade da identidade africana pós-colonial. Aceitando os rótulos de “iorubá”, “nigeriano”, “africano” ou negro britânico, combina tecidos africanos pós-coloniais com significantes vitorianos para comentar, com humor e inteligência, “a relação emaranhada entre a África e a Europa e a forma como os dois continentes se inventaram um ao outro”. Alerta para o facto de a “autenticidade” africana não poder ser localizada na materialidade e na cera em particular.
- A artista afro-americana nascida no Gana, Bisa Butler, utiliza algodão, lã, musselina e cera em cores vivas e padrões arrojados para apresentar retratos pormenorizados de pessoas negras em colchas. Os materiais utilizados e os temas explorados ligam os sujeitos americanos às suas raízes africanas e contam histórias visuais. “Utilizo cores muito vivas e imaginativas para transcrever as emoções das minhas personagens, para refletir a sua personalidade, humor e temperamento”, explica.
- A artista nigeriana Njideka Akunyili Crosby cria retratos em cenas domésticas íntimas ou jardins luxuriantes em cores desbotadas mas densas e vibrantes, sobrepondo imagens de revistas de moda a fotografias de celebridades nigerianas, amostras dos álbuns de fotografias da sua família a páginas de catálogos da Vlisco. A sua experiência de hibridismo cultural continua a ser o tema principal do seu trabalho artístico. “O meu desejo enquanto artista é centrar-me na vida negra, na minha experiência enquanto mulher negra e na complexidade da vida negra”, afirma.
- A artista nigeriana Marcellina Oseghale Akpojotor cria patchworks de cores, formas, relevos e texturas utilizando retalhos de tecidos multicoloridos. Cria retratos íntimos em cenas da vida quotidiana, numa cacofonia de padrões dispostos em ondulações soltas e tufos sobre fundos refinados pintados em acrílico. Embora os têxteis sejam de origem holandesa, têm um forte significado cultural, estabelecendo uma memória visual partilhada.
- O pintor congolês (RDC) Eddy Kamuanga Ilunga explora as intersecções do colonialismo, da tradição e da globalização na sua terra natal. Em pinturas figurativas arrojadas, veste os seus sujeitos com roupas tradicionais Mangbetu e substitui a sua pele por placas de circuitos pretas, uma referência ao coltan (um minério metálico) exportado da RDC para utilização em aparelhos modernos em todo o mundo. Ao apresentar tanto a beleza da cultura tradicional congolesa como os símbolos do comércio e da exploração históricos e contemporâneos, a artista capta a dissonância existente na sua sociedade.
Livros e exposições:
- As várias publicações de leitura obrigatória da antropóloga francesa Anne Grosfiley, especialista em tecidos africanos.
- A exposição Fancy, recentemente realizada no Musée du Quai Brandy em Paris, apresentou um panorama de tangas comemorativas impressas para assinalar grandes acontecimentos políticos e históricos, que ao longo das décadas se tornaram verdadeiros instrumentos de comunicação e espelhos da história contemporânea da África Subsariana nos últimos cinquenta anos.
- A prestigiada exposição Vlisco 1:1 One to One no Museu de Helmond, em 2017, contou histórias fascinantes e coloridas de colonialismo, fabrico, venda, comércio, cultura, design e arte que constituíram os cento e setenta anos de história da icónica marca de tecidos holandesa que celebra a sua ligação a África.
Texto de Christine Cibert
